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1 ESTUDIO ESPECIAL DEL GOTICO ESPAÑOL EN SUS DIFERENTES ARTES.
1.1.1.1........................................................... Características:
1.1.2.1.1 Catedral de León (mediados del XIII).
1.1.2.1.2....................................... Catedral de Cuenca.
1.1.2.1.3............................................................. Monasterios.
1.1.2.1.4........................................... Arquitectura civil.
1.1.3.1....................................... Arquitectura religiosa.
1.1.3.1.1............................. Catedral de Barcelona.
1.1.3.1.2 Catedral de Palma de Mallorca. (Una galera
surcando el Mediterráneo).
1.1.3.2.................................................... Arquitectura civil.
1.1.3.2.1........................................................................ Palacios.
1.1.3.2.2................................... Obras de tipo urbano.
1.1.3.2.3.................................... Arquitectura militar.
1.1.4................................................................................. Siglo XV XVI.
1.1.4.1...................................... Cronología y evolución.
1.1.4.2.1............................................ Época purista (XV).
1.1.4.2.2........................................... Época ornamental.
1.1.4.2.3........................... Siglo XVI. Estilo purista.
1.2.1.1.................................................................................. Relieves.
1.2.1.1.1........................................................................ Castilla.
1.2.1.1.2..................................................................... Cataluña.
1.2.1.2............................................................................. Sepulcros.
1.2.1.3............................................................ Figuras exentas.
1.2.2.1.................................................................................. Castilla.
1.2.2.1.1 Relieves monumentales y escultura exenta.
1.2.2.1.2.................................... Escultura funeraria.
1.2.2.2............................................................................... Cataluña.
1.2.3.1........................................................... Características:
1.2.3.2...................................................... Periodo borgoñón.
1.2.3.2.1........................................................................... Aragón.
1.2.3.2.2........................................................................ Navarra.
1.2.3.2.3........................................................................ Castilla.
1.2.3.3............................................... El periodo flamenco.
1.3.2......... Siglo XIV y primera mitad del siglo XV.
1.3.2.1 Pervivencia del influjo francés (gótico
lineal).
1.3.2.2... Influencia del estilo
"italo-gótico".
1.3.2.2.1..................................................................... Cataluña.
1.3.2.2.2........................................................................ Castilla.
1.3.3...................................................... Gótico internacional.
1.3.3.1............................................................................... Cataluña.
1.3.3.2.................................................................................. Castilla.
1.3.4 Segunda mitad del siglo XV: Estilo hispano-flamenco.
1.3.4.1............................................................................... Cataluña.
1.3.4.2.................................................................................. Castilla.
1.3.5............................... Época de los Reyes Católicos.
2.2 El renacimiento y la trascendencia en la
cultura y el arte.
2.3 Características generales de las artes.
2.3.1............................................................................. Arquitectura.
2.4 Estudio del renacimiento en los diversos
países en cada una de las artes.
2.4.1.................. Italia: Características generales.
2.4.1.1................................................................... Arquitectura.
2.4.1.2............................................... Estudio cronológico.
2.4.1.2.1........................ Siglo XV (CUATROCENTO).
2.4.1.2.2........................ Siglo XVI (CINQUECENTO).
2.4.1.2.3 La contrarreforma y su estilo artístico (a
partir del concilio de Trento).
2.4.1.3.............................................................................. Escultura
2.4.1.3.1........................ Siglo XV (CUATROCENTO).
2.4.1.3.2........................ Siglo XVI (CINQUECENTO).
2.4.2.................. PINTURA RENACENTISTA ITALIANA
2.4.2.1............................... Siglo XV (CUATROCENTTO).
2.4.2.1.1.................................................................... Evolución.
2.4.2.1.2............... Principales representantes.
2.4.2.2............. El siglo XVI (EL CINQUECENTTO).
2.4.2.2.1 Los grandes genios de la pintura romana
(primera mitad del siglo XVI).
2.4.2.2.2 EL MANIERISMO (Segunda mitad del siglo XVI).
2.4.2.2.3 VENECIA: PATRIA DE LA PINTURA BARROCA.
No hay, en España un "estilo de transición" en el sentido y con las características que en Europa.
No hay una fusión de elementos en nuestra arquitectura del XII (ello es necesario para poder hablar de una "transición" en el pleno sentido del término estilo).
Lo que existe es una yuxtaposición de elementos hasta llegar lenta y un poco tardíamente al gótico completamente definido.
- Principales manifestaciones.
A) Cisterciense. Dos modelos constructivos claves:
1) Edificios con cabecera redonda y girola. Moruela (Zamora) es el ejemplo más antiguo. Poblet (Tarragona). Es el monasterio de mayor importancia. Su planta es como la anterior.
2) Edificios con cabecera cuadrada. Santa Creus (Tarragona) con cinco capillas rectangulares en la cabecera. Las Huelgas (Burgos). Tres capillas poligonales en la cabecera. Esta obra fue mandada construir por Alfonso VIII para una doble función:
- Convento de monjas bernardas.
- Panteón real.
B) Superposición de elementos góticos (principalmente arcos apuntados y bóvedas de crucería ojivales) sobre plantas románicas.
Catedral de Orense, Cripta del Pórtico de la gloria en Santiago (obra del maestro Mateo). Tiene bóvedas de crucería en las que se puede observar la clave, pero su generatriz es un arco de medio punto (la crucería gótica tiene como generatriz el arco apuntado).
Catedral de Zamora. Ojivas en la nave central. Basílica de San Vicente, en Avila. Son góticas:
- La portada de los pies (del maestro Fruchel).
- Uso de ojivas sobre planta románica.
En este siglo asistimos a las más puras representaciones del gótico arquitectónico español, que son, además, muy abundantes. Esto es válido especialmente para Castilla.
Trabajan en ella maestros que trabajaron en la de Burgos (Enrique, Juan Pérez). Es la más francesa por la pureza de su estilo, su gran esbeltez sobre todo en la nave central (recuerda a la de Amiens), su gran luminosidad (será explicada más tarde). Es la obra que menos añadidos ha conservado al margen del gótico: las restauraciones que se hicieron en ella en el siglo XIX la despojaron de todos los elementos barrocos y renacentistas.
Es de tres naves y crucero muy marcado en planta, aunque corto.
El "hastial" (los pies) tiene cinco portadas, protegidas por un pórtico (como ocurre en Chartres).
Dos torres, pero separadas de las naves laterales.
Gran luminosidad. Varias causas:
- Esbeltez.
- El gran desarrollo de su ventanaje. El muro se llena de ventanas (hasta el triforio). Ricas y abundantes vidrieras.
Esta es una excepción en el gótico español.
Es una catedral de influencias diversas y discutidas, que serán analizadas a través de sus características más importantes.
- Influencia anglo-normanda. Doble crucero (como en Palencia); decoración a base de dientes de sierra.
- Influencia franco-borgoñona. Triforio, apoyos típicos como columnas con junquillos en su fuste que recogen los nervios de las bóvedas.
Van decayendo los del Císter, aunque se continúan construyendo, o al menos ampliando.
Los que comienzan a tener más importancia son los de las órdenes mendicantes: Franciscanos y dominicos.
Hay que mencionar los de:
- Cataluña. Tiene contactos con el sur de Francia, donde predica Santo Domingo de Guzmán.
- Galicia. Peregrinaciones a Santiago (está documentada la visita de San Francisco de Asís y es muy probable la de Santo domingo.
En relación con los templos edificados por estas órdenes, aparece un tipo de planta nuevo:
- Nace en Francia, pero se convertirá en el tipo más común en Cataluña.
- Plantas de una nave, de bastante anchura, con grandes contrafuertes y capillas situadas entre ellos.
La nave única permite ahorrar material y potenciar la voz durante la predicación.
Las capillas permiten ampliar el número de altares y el de misas sin interrumpir el culto en la nave central.
Destacaremos, sobre todo el palacio del Arzobispo Gelmírez en Santiago.
Este palacio tiene como principal motivo de interés su famoso salón del piso superior, con ménsulas decoradas con temas profanos (músicos, banquetes...).
Es la época de decadencia de Castilla. A causa de razones políticas y económicas ( expansión por el Mediterráneo) Cataluña comienza a cobrar protagonismo.
1) Cataluña. Se caracteriza principalmente por la austeridad: escasea la decoración escultórica, predominan las superficies lisas. Tiene plantas muy simplificadas.
Se concede gran importancia al muro.
Cubierta en terraza.
Continúa predominando el tipo de planta utilizada en Cataluña durante el siglo anterior: de una nave, con sólidos contrafuertes con capillas entre ellos y sin existencia apenas de arbotantes.
De tres naves, pero sin apenas marcar el crucero.
Cuatro torres (los cuatro clavos de Cristo): dos en los pies, una en cada brazo del crucero.
Su impulsor fue Jaime I.
Parece una obra más propia de un ingeniero que de un arquitecto.
Las características podemos agruparlas en:
- Características comunes con otras catedrales:
a) Tres naves con capillas entre contrafuertes.
b) Cubierta en terraza.
- Características propias.
a) Gran rosetón en el testero (que, además, presenta un signo de raíz judeo musulmana: el signo de Salomón).
b) Abundancia de contrafuertes, pero también de arbotantes.
2) En el resto de los reinos hispánicos.
Las obras son de menor importancia.
En los templos comienzan a aparecer:
- Las salas capitulares (reuniones del Consejo catedralicio).
- Capillas funerarias.
Estas nuevas salas se llenan de adornos y compiten en ello con el mismo templo.
Dentro de ellas se ubican unos elementos arquitectónicos de gran importancia posterior: las bóvedas estrelladas:
- Los nervios se multiplican, con afán meramente decorativo.
- Van a aparecer indiscriminadamente por diversas parte del templo, pero por este orden: salas capitulares, capillas funerarias, templo propiamente dicho.
Abundan en Cataluña, aunque muchos no se construyen "ex novo", sino que son ampliaciones de los ya existentes.
Destacan, por ejemplo, diversas obras que se realizan en palacios de Barcelona:
- Gran salón (Tinell) del Palacio Real.
- Gran salón del Palacio del Consejo de Ciento o Consell de Cent (Casa de la ciudad).
Los más importantes son las lonjas. Derivadas de las "loggias" italianas, tienen, sin embargo, características propias:
- De planta rectangular están cubiertas con bóvedas y armaduras.
Abundan mucho los castillos.
Castillo de Bellver en Palma de Mallorca.
En Castilla hubo muchos, pero apenas se conservan, ya que fueron derruidos por orden de los Reyes Católicos, para afianzar su política centralista y someter a la nobleza levantisca.
Castilla vuelve a su posición privilegiada. Existe una verdadera fiebre constructiva, mayor innovación e incluso, muchas veces, un predominio de lo ornamental sobre lo constructivo.
En cuanto a esto último las líneas hay que destacar la simplicidad de las líneas frente a la complejidad y profusión de lo decorativo.
Si nos referimos al aspecto ornamental hay que destacar:
- Las bóvedas estrelladas, pero con más nervios que en el siglo anterior.
- La utilización de arcos como el conopial y el mistilíneo (semejantes a los utilizados por el arte taifa).
- Pilares salomónicos y muy nerviados.
- Decoración con gran valoración del claroscuro: a trépano, como si se tratase de un encaje.
Se pueden constatar dos periodos:
- Primera mitad del siglo XV.
- Segunda mitad del XV y comienzos del XVI.
La evolución es distinta en España que en el resto de Europa.
a) Primer periodo:
Europa: Gótico flamígero en su máximo esplendor (fiebre ornamental).
España: Gótico purista (decoración escasa, pureza en las líneas).
b) Segundo periodo:
Europa: Al menos desde finales del siglo Xv se palpa ya la pureza ornamental que va a caracterizar al Renacimiento
España: Postura doble: Predomina un auténtico fervor decorativo, pero a pesar de ello pervive, aunque soterrada, la tendencia purista que enlazará después con el Renacimiento.
Obras de ampliación de catedrales ya existentes:
- Pamplona.
- Palencia.
Nuevas construcciones:
- Catedral de Oviedo.
- Catedral de Sevilla. Se construye sobre la antigua mezquita almohade, de la que sólo subsiste el alminar: La Giralda.
Su principal impulsor fue el cabildo que deseaba "que no hubiese otra igual". Realmente es de dimensiones colosales.
Es de planta tipo salón. Con cinco naves de gran altura, las cuatro laterales al mismo nivel y casi tan altas como la central.
En el siglo XVI se añadirán complicadas bóvedas, obra de Juan Gil de Hontañon.
Se le denomina estilo de los Reyes Católicos (incluso, de forma injusta se le denomina estilo "isabelino"). La causa es que los trabajos más notables y representativos de esta fase del gótico se realizan durante este reinado.
Sin embargo, existen trabajos con fecha anterior a los Reyes Católicos: artistas flamencos, franceses y alemanes vienen a la Península y trabajan en ella prácticamente desde mediados del siglo XV.
Hay diversas influencias:
- Europeas (sobre todo, las que proceden de los artistas antes citados).
- Hispanas. Entre ellas, quizás por mas genuina conviene citar las de tipo mudéjar (temas decorativos, un determinado ritmo en la decoración, denominado tresbolillo, bóvedas caladas).
La característica fundamental es la riquísima ornamentación que lo cubre todo: columnas retorcidas, arcos conopiales y mixtilíneos, complicadas cubiertas.
Los elementos típicos son:
- Temas heráldicos (yugo y flechas).
- Salvajes (hombres vestidos con pieles, largas cabelleras, que contra lo que suele decirse no son indios, sino portadores de armas y disfraces.
- Bóvedas estrelladas caladas.
Ejemplos.
a) Castilla. Dos focos principales: Burgos y Toledo.
1) Burgos. Su influencia se extiende por toda Castilla la Vieja, y especialmente en Valladolid.
Juan de Colonia. A él se deben las agujas caladas de la catedral. Son los famosos chapiteles.
Simón de Colonia. Es hijo del anterior. Su labor más importante la desarrolla en:
- Burgos. Capilla del Condestable de la catedral. Tiene como cubierta una hermosa cúpula estrellada calada.
La Cartuja de Miraflores, aunque el proyecto se debe a su padre.
- Valladolid. La grandiosa fachada de la Iglesia de San Pablo, ampliada en el siglo XVII.
Colegio de San Gregorio, actualmente dedicado al museo de escultura (Renacimiento y Barroco, sobre todo). La fachada tiene variadas influencias:
- Diego de Siloé.
- Simón de Colonia.
- Juan de Guás.
La capilla es obra de este último.
El patio, verdaderamente suntuoso tiene una hermosa decoración entre la que se puede observar la aparición de "granadas", como clara alusión a la conquista de esta capital por los Reyes Católicos.
Haya o no colaboraciones, las aportaciones más importantes son de Simón de Colonia. Sus dos pisos son un contraste:
- El bajo: abierto y esbelto.
- El alto: cerrado, con arcos que ofrecen una decoración a modo de cortinajes.
2) Toledo. Su influencia se deja sentir por toda su región, especialmente Guadalajara.
Hanequin de Bruselas. Trabaja sobre todo en la Catedral:
Puerta de los leones. Rico ornamento.
Remata la torre con graciosos pináculos y gabletes.
Juan Guás. Francés y discípulo del anterior. Su labor es amplia y dispersa.
- Toledo. San Juan de los Reyes. Un suntuoso monumento de una nave con capillas entre los contrafuertes. Es interesante sobre todo por su decoración (incluida la de tipo escultórico), que es de gran influencia mozárabe (hay hasta mocárabes) y se encuentra sobre todo en el crucero y en el patio.
- Guadalajara. Palacio del infantado. Es quizás el más bello de la época. Su parte más interesante está en el exterior:
- La fachada se organiza al modo urbano, es decir, sin torres en los ángulos (esquinas).
- La decoración es evidentemente mudéjar: punta de diamante, realizado a tresbolillo (rombo).
- Segovia. El Parral, Monasterio de Santa Cruz, Claustro de la catedral Vieja.
Eugenio Egas. Su estilo deriva ya hacia el Renacimiento. Trabaja, por ejemplo en:
- Toledo. Hospital de la Santa Cruz. Tiene un típico plan italiano. Es de cruz griega (el altar generalmente está en el crucero). Desde cualquier brazo podía seguirse la misa.
- Granada. Capilla real. En ella están los sepulcros de los Reyes Católicos.
b) Corona de Aragón-Cataluña.
a) Aragón. Sigue predominando el arte mudéjar. Se puede citar una excepción: La Catedral de Zaragoza. Rehecha a finales del siglo XV. Cúpula estrellada.
b) Cataluña-Levante. Continúa la pureza de líneas y formas al modo del siglo XV.
Tiene gran importancia la arquitectura civil:
Lonjas de Palma de Mallorca, Valencia, Zaragoza (gótico florido).
Palacio de la Generalitat (Barcelona).
En él destacan un patio interior a la "italiana": macizo en su parte baja (no tiene piso inferior), la escalera al descubierto, de un solo tiro.
Posee un hermoso medallón en la fachada: San Jorge a caballo.
La capilla dedicada al santo tiene una decoración bella y suntuosa.
Se caracteriza por los grandes espacios. Generalmente la planta es de tipo salón. Los edificios tienen mucha altura.
Hay enormes contrafuertes, pero pocos arbotantes. Abundan las bóvedas estrelladas, muy complejas.
Principales ejemplos.
Catedrales.
a) Segovia (Catedral Nueva).
Trabajan en ella Juan Gil de Hontañón, Rodrigo (hijo del anterior).
Su alzado tiene la estructura de pirámide escalonada.
Tiene una gran torre, recuerda a la de Toledo.
No tiene una fachada monumental.
b) Salamanca (Catedral Nueva).
Trabajan en ella los mismos maestros que en Segovia.
Arquitectura civil.
Fuertes influencias del mudéjar: portada de arco de medio punto, pero con alfiz. En ocasiones hay bajo el alfiz una ventana.
Patio con puerta interior que no coincide con la de la calle (casa musulmana).
La puerta está generalmente al extremo de la fachada.
Ejemplos.
a) Palacios nobiliarios.
- Casa de los Picos de Segovia.
- Casa del Cordón de Burgos.
- Casa de las Conchas de
Salamanca.
- Casa de los Monos.
b) Castillos.
- Manzanares "El real".
- Alcázar de Segovia.
- Obras de transición.
Los pregóticos: Maestro de la Cámara Santa (Oviedo), maestro de San Vicente (Avila), maestro Mateo (Santiago de Compostela).
La auténtica transición: Relieves de la Catedral de Tuy, relieves de la Catedral de Ciudad Rodrigo (Salamanca).
Son relieves de clara influencia francesa, pero:
- son de aparición tardía; sus comienzos no son anteriores a la segunda mitad del siglo, porque durante la primera mitad se concede más importancia al aspecto constructivo.
- son de inferior calidad que los de Francia.
Podemos distinguir dos focos:
- Burgos.
- Puertas de la Catedral: El sarmental. Está en el crucero sur. En él trabajan varios maestros. Lo más importante es el naturalismo del tímpano (los evÁngelistas aparecen sentados en pupitres).
La imagen del parteluz es una excelente efigie del obispo Mauricio.
Puerta de los apóstoles. Situada en el crucero norte.
Puerta de la coronería.
- Las torres.
- El claustro. Varios relieves:
- En la portada: Virgen Blanca del parteluz. Se la relaciona con la de Reims (el ángel de la sonrisa), aunque tiene un canon menos esbelto.
- Estatuas de reyes. Alfonso X y Violante (gracia y naturalismo idealizado)
León. Catedral. Tiene relieves claramente relacionados con los de Burgos (puerta de la Coronería). Ha recibido demasiadas restauraciones, no siempre del todo buenas.
Destacan las portadas, las de los pies (recordemos que son cinco), y de modo en especial la central:
- Tímpano. Cristo con llagas.
- Dintel. Relieves que representan a los réprobos y a los justos. Hay en ellos un gran naturalismo. Son de carácter anecdóticos, sobre todo los que muestran a los "justos", que esperan a la puerta del cielo.
- Parteluz. Virgen Blanca.
Toledo. Catedral. Portada del Reloj.
El tímpano presenta una auténtica concentración escultórica (como si fuesen marfiles).
Los relieves se ordenan en fajas.
El ejemplo más representativo puede ser la portada principal de la Catedral de Tarragona, la Virgen de su parteluz (en un solo bloque).
Pueden ser de varios tipos:
- De arcosillo (en la pared).
- Exentos.
Se adornan por completo: tapas, costados, con temas diversos:
- Plañideras.
- Temas heráldicos.
Ejemplos.
Burgos: Panteón Real del Monasterio de las Huelgas, Catedral.
Palencia: Iglesia de Villalcázar de Siega. Son quizás los mejores relieves funerarios de la época. Naturalismo y presencia de lo anecdótico (un infante con su halcón y su perro de caza).
Los principales temas son:
- La Virgen (de pie, sentada con el niño, pero estableciéndose una relación entre ellos: sonríen, inician gestos...).
- Calvarios.
- Descendimientos (uno de los más importantes es el de las Huelgas de Burgos).
Hay una mayor importancia de Cataluña (se muestra en retablos y sepulcros), y se asiste a la influencia italiana (lógica consecuencia de ese predominio catalán).
Se concluye la decoración de monasterios y catedrales.
La decoración monumental (relieves) se hace más menuda por influencia de:
- Los trabajos en marfil.
- El arte mudéjar.
Se distribuye por el tímpano generalmente en cuatro fajas (algunas veces en más, aunque en muy poco frecuente).
Esta distribución se debe a la influencia francesa: ahora, como en Francia, las figuras se incurvan y se estilizan. Se considera el preludio del Gótico internacional.
Ejemplos.
Catedral de Toledo. En la fachada principal, la puerta del centro representa el milagro de la casulla de San Ildefonso, en el trascoro: La Virgen
Blanca, muy al gusto francés del siglo XIV, incurvada
y con el niño que la hace caricias.
Pamplona. Puerta preciosa de la Catedral.
Toledo. Sepulcros de la Catedral.
Abundancia de obras. Predomina la influencia italiana. Se conoce el nombre de muchos artista.
Las obras más numerosas son los sepulcros y los retablos, que pasan de ser una pieza más o menos situada tras el altar a tener una gran aparatosidad: llena todo el panel de detrás del altar.
Es de destacar la abundancia del tema "monjes que lloran", en los sepulcros.
Excelentes y curiosas esculturas exentas: San Carlomagno.
Es muy rico y valioso en cantidad y en calidad.
- Hay un predominio de Castilla (lujo de la corte), de la Europa del norte de los Pirineos (son muchos los artistas que vienen de allí). Se pueden distinguir dos etapas bien diferenciadas:
- Primera mitad del siglo: Influencia de Borgoña: Pliegues ondulantes, agitados y blandos. Se busca una expresión real del rostro y dar a la obra un cierto sentido de humanidad.
- Segunda mitad del siglo. Se observa una influencia de Flandes.
Se aprecia un realismo minucioso, hasta en las orlas de los vestidos (en relieve, para una mayor aproximación a la realidad táctil). Es utilizada la técnica de los paños acartonados y angulosos.
Aparecen nuevos tipos de sepulcros, además de los ya existentes (orantes, yacentes), se representa al difunto "con vida". Uno de los más representativos es el Doncel de Sigüenza (se ha dicho que representa a la perfección el espíritu y la melancolía del ocaso de la Edad Media).
Abundan las sillerías de coro: Catedral de Zamora, relieves con auténtico espíritu picaresco, catedral de Toledo, dotadas de un auténtico sentido histórico, son obra de Rodrigo Alemán.
La escultura de Aragón es más importante en este periodo.
Continúan teniendo importancia los retablos, que son casi siempre de alabastro, policromo. Destaca un artista: Pere Joan.
Obras:
- Medallón de San Jorge (Generalitat). Existe una visible influencia italiana, y ello es lógico si tenemos en cuenta que el rey de Aragón era Alfonso V "El magnánimo" (rey también de Nápoles).
- Planteamiento del retablo de la Seo. Tiene forma de cruz, con un hueco en el centro, para colocar la custodia.
Sepulcros de reyes: Carlos III y Leonor de Castilla.
Presenta el tema de los "monjes llorantes". Se observa naturalismo, a los pies reposan perros.
Sepulcro del Obispo Carrillo de Albornoz (Sigüenza).
En Sevilla destaca la labor de Mercadante, especialmente en la fachada de la catedral.
Emplea en ella barro cocido policromado. Hasta entonces no se conocía este recurso, pero luego va a ser muy utilizado.
Abundante en manifestaciones, sobre todo en el último tercio del siglo.
Se observa principalmente en dos ciudades, Burgos: Capilla del condestable, y Toledo Portada de los Leones (Catedral).
Hay que destacar varios artistas:
Juan Guas. Monasterio de San Juan de los Reyes (Toledo). Trabaja en los relieves del crucero y del claustro.
Juan y Simón de Colonia.
Gil de Siloé. Es el mejor ornamentista: los atuendos y los detalles se enriquecen, sin añadidos (a diferencia del barroco).
Sus obras expresan realismo (acentuado, además, por la característica anteriormente dicha).
Su obra más importante está en Burgos.
- En la catedral realiza los retablos para la Capilla del condestable (tema del árbol de Jessé).
- Cartuja de Miraflores. Destacan los sepulcros:
- Sepulcro del rey Don Juan II y su esposa Isabel de Portugal. Hecho de alabastro. Es una obra de gran importancia a causa de la forma estrellada de los túmulos, la influencia mudéjar y la profusa decoración (a base de figuras, ornamentos arquitectónicos).
- Sepulcro del infante Don Alfonso (Hijo del anterior).
Arcosolio (arco que alberga un sepulcro abierto en la pared).
Es uno de los primeros tipos de difunto como "orante"(de rodillas y orando).
Uso del arco conopial que forma el arcosolio.
El retablo es casi una labor de orfebrería. La peculiaridad de esta obra reside en la abundancia de escenas, que están distribuidas en círculos, como si fuesen rosarios.
Respecto al catalán el retablo castellano:
- No utilizan el alabastro, sino que, a excepción del Paular, están realizados en madera policromada o piedra.
Respecto a Flandes:
- En Flandes las escenas son grandes y escasas, a diferencia de Castilla, que además de ser de gran tamaño, son numerosas.
Recibe la influencia de:
- Italia.
- Flandes.
- Francia (concretamente Borgoña).
Tiene, sin embargo, unos matices propios, que la dan personalidad propia:
- Asimila esas influencias con la impronta hispana.
- No es un mero servilismo.
- Nunca olvida la influencia musulmana (mudéjar).
- La pintura denota menos las influencias exteriores que las otras artes (Arquitectura y pintura). Es decir, es un arte más personal, más nacional, y es así porque siempre mantiene un interés por:
- El color.
- La expresividad.
- El naturalismo.
Géneros.
En líneas generales, ocurre en la pintura gótica española lo mismo que en el resto de Europa:
- Hay pocos frescos (pintura mural).
- Lo más importante es la pintura de caballete (frontales, retablos, tablas exentas).
- Una particularidad hispana es que, a diferencia de lo que ocurre en Europa, aquí tiene mucha menor importancia la vidriera, porque lo que sobra es luz, debido a la mayor insolación de nuestro climas y cielo.
Una excepción es la catedral de León: aquí tiene mucha importancia las vidrieras (rosetón). Por dicho motivo en muchos manuales se considera a esta obra como la "más francesa de las españolas".
Evolución y cronología.
Al menos durante la primera mitad del siglo, es una especie de transición: sobre técnicas aún románticas (pliegues...), los perfiles, el naturalismo ya son góticos.
- Predomina la influencia francesa (gótico lineal).
- El género más representativo es la miniatura.
Principales ejemplos.
Vidrieras: Catedral de León.
Pinturas murales: (frescos).
- Castillo de Alcañiz (interesante iconografía).
- Catedral vieja de Salamanca. Las pinturas se disponen en hornacinas (como si se tratasen de retablos). Capilla de San Martín.
Miniaturas. Destacan, sobre todo, las que ilustran las Cantigas de Santa María.
Su mudejarismo es indiscutible. No olvidemos que se hicieron en dos ciudades de gran tradición musulmana:
- Sevilla.
- Toledo.
Continúa detectándose tal influencia, al menos hasta bien entrado el siglo XV.
Es de destacar la existencia de algunas importantes pinturas en tabla:
- Frontales (Avila).
- Retablos:
San pedro Mártir (Cataluña).
San Millán de la Cogolla
(Logroño).
San Luis de Tolosa (Santa Clara de Tordesillas).
- Pinturas de techumbres (madera). Catedral de Teruel (importa sobre todo por su iconografía, que incluye temas profanos).
En Cataluña la influencia italiana es mayor y más temprana que en Castilla, algo lógico, ya que Cataluña está volcada al Mediterráneo y tiene con ella (Italia) contactos directos.
La influencia italiana proviene de Siena, y en menor medida de Florencia.
Representantes.
Ferrer Bassa. Fuerte sentido aristocrático (influencia de Siena).
Fuerza dramática (influencia hispana).
Obras.
Pinturas murales de la capilla de San Miguel (Monasterio de Pedralbes). De iconografía religiosa, pero variada:
- Cristo en majestad.
- Escenas de la infancia y pasión de Cristo.
- Santas y santos.
Ramón Destorrens. Santa Ana con la Virgen María. Procedente de un retablo de Palma de Mallorca.
Jaime Serra y Pedro Serra.
Anuncian lo que va a ser el Gótico internacional, porque su pintura, sobre todo la de Pedro es:
- Elegante.
- De líneas y ritmo sinuoso.
Obras.
Jaime Serra. Difunde el tipo de Virgen de la Humanidad. Lactante (con niño), con el donante al pie (suele ser de carácter funerario).
Entre sus retablos destaca el de Sigena.
Pedro Serra. Su obra cumbre es el retablo de La venida del espíritu Santo (Seo de Manresa).
El influjo italiano no es tan importante como en Cataluña.
Cuando existe, quién más influye es Florencia.
Toledo tiene el repertorio más importante: su arzobispo, Pedro Tenorio, había vivido en Italia durante bastante tiempo, lo que se nota en algunas obras Capilla de San Eugenio de la Catedral.
Retablo de Don Sancho de Rojas.
Pinturas murales de algunas salas de la Alhambra. Realizadas por un cristiano, representan temas profanos: luchas caballerescas, cacerías.
Está lleno de dramatismo, pero sin llegar al extremo de Flandes.
Muestra un interés por lo anecdótico. Se representan interiores y paisajes (fondos de ciudades, generalmente).
Recogen el interés del artista por la perspectiva (realismo) y un desdén por los planos fondos dorados.
Luis Borrasa. Es un pintor muy original, colorista y un compositor excelente. Sus principales obras son los retablos.
Se mueve en la línea de los hermanos Serra, pero acentuando la expresividad.
Retablo de Santa Clara, retablo de San Pedro.
Bernardo Martorell. Más cercano que el anterior al estilo flamenco.
Es conocido por el sobrenombre de "Maestro de San Jorge", porque ese retablo es su mejor obra.
Es un buen colorista. Su dibujo es casi miniaturista (con mucho detalle).
Estudia la perspectiva, el ambiente (luz, atmósfera).
Retablo de San Jorge.
Tienen poca importancia los maestros nacionales, siendo superados por los que vienen del extranjero.
Nicolás Francés. Estilo muy miniaturista. Trabaja sobre todo en León.
Retablo de la Bañeza, diseño de vidrieras para la catedral de León.
Nicolás Delli, "El florentino".
Su estilo tiene muchas reminiscencias de Italia. Es detallista, como es normal en los artistas del gótico internacional.
Pinturas murales del ábside de la Catedral Vieja de Salamanca, retablo de la Anunciación del altar mayor.
La zona más importante está en Castilla a causa de:
- Compra de cuadros flamencos.
- Contactos humanos (dinastías, artistas flamencos que vienen a España, españoles que va a Flandes a aprender técnicas).
Es un estilo que tiene diversos matices:
- Algunas de sus características son importadas del arte flamenco (expresividad, paisajes típicos de Flandes, como las torres puntiagudas).
- Otras, sin embargo son propias (uso del temple en detrimento del óleo, por eso sus pinturas son más ásperas y apagadas, uso del oro, los tipos humanos son típicamente hispanos).
Luis Dalmau (Valenciano).
Introduce este tipo de pintura en Cataluña. Imita a Van Eyck.
Virgen de los Concellors.
Jaime Huguet.
Es un buen retratista, aunque tiene ciertas tendencias que lo relacionan con el gótico internacional (líneas sinuosas, un cierto sentimiento de melancolía).
Sus cuadros tienen elegancia y solemnidad, en una línea que le vincula a España e Italia.
Retrato de Abdón y Senén.
Condestable Pedro de Portugal.
Bartolomé Bermejo.
Tiene una gran repercusión. Es uno de los mejores pintores de la Edad Media. Es muy plástico y concede gran importancia al color, a la luz y a las sombras.
Conoce la perspectiva (paisajes con efecto de lejanía).
Es un buen retratista y ama el oro, lo que significa lujo en material y detalles.
Emplea característicos nimbos radiados.
Santo Domingo de Silos.
Canónigo Desplá.
Gran riqueza de obras, tanto en número como en calidad.
Monumentalidad. No se suele utilizar oro, por lo que la pintura tendrá mayor austeridad.
Jorge Inglés.
Destaca en retablos y miniaturas. Son típicos los pliegues de sus ropajes (quebrados, de forma "tubo de órgano".
Retablo para el Marqués de Santillana.
Fernando Gallego.
Es el maestro clave de esta corriente pictórica en Castilla, hasta la aparición de Pedro Berruguete.
Es un pintor plenamente flamenco:
- Expresionismo al máximo (sentido trágico).
- Tipos huesudos que a veces son casi deformes (con ello acentúa el expresionismo).
- Dureza en pliegues y paisajes.
- Emplea el óleo y no utiliza oro.
Retablo de San Ildefonso.
Crucifixión.
Piedad.
Es un momento de esplendor en el aspecto económico y cultural:
- Amor de la reina por la cultura (incluso colecciona obras de arte).
- Mecenazgo de Cisneros.
Hay un importante número de artistas de calidad, tanto oriundos como extranjeros.
Puede hablarse de un pre-renacimiento.
Juan de Flandes.
Es un excelente colorista.
Hace un delicado tratamiento a luz.
Retablo de la Catedral de Palencia.
Retrato de Isabel la Católica.
Pedro de Berruguete.
Supone el tránsito del gótico al renacimiento. Para algunos críticos incluso pertenece ya al renacimiento, aunque realmente tiene características plenamente góticas.
En su personalidad confluyen múltiples influencias:
- Se forma en Italia (ya en pleno renacimiento).
- Recoge influencias de la pintura flamenca.
- No renuncia a las peculiaridades e idiosincrasia hispanas, ni a la influencia mudéjar.
Su influencia italiana se observa en la utilización de tonos ocres y terrosos. En sus cuadros hay arquitecturas renacentistas (y también góticas).
Domina la perspectiva, incluso el recurso de colocar las figuras de espalda (sensación de profundidad).
A causa de su influencia flamenca siente preocupación por la luz y la atmósfera (incluso valora la sombra). También gusta de presentar interiores hogareños (detallista).
Su vinculación a lo hispano se muestra en la introducción de detalles mudéjares (techumbres artesonadas), el empleo del oro y brocados para vestiduras y fondos (a modo de tapices).
Retablo de la Iglesia de Santa Eulalia (Paredes de Nava).
Retablo de Santo Tomás.
San Pedro, San Pablo. Valoración de la sombra y uso de la perspectiva de punto bajo (semejante a la empleada por Mantegna en el Cristo muerto)
El renacimiento europeo es por una parte la puerta con que se abre la edad moderna, y se produce un cambio en la mentalidad colectiva a todos los niveles:
- En la economía, porque de una sociedad rural y agraria pasamos a otra de economía urbana y de capitalismo comercial.
- En política: del sistema feudal pasamos a las monarquías autoritarias.
- En sociedad, porque del teocentrismo y de la jerarquía pasamos al espíritu propio de la llamada "religiosidad moderna", propio de los diversos movimientos de "reforma".
Factores: este fenómeno en cadena es posible porque contribuyen a ello tres factores:
1) Este fenómeno produce el cambio ideológico-cultural, ya que el hombre comienza a ser considerado el centro de todo el universo.
Dará lugar al humanismo y al homocentrismo, superando la medieval sobrevaloración de lo religioso y el teocentrismo.
- Se produce la exaltación de la razón que es considerada la medida de todas las cosas y como el instrumento más eficaz para que el hombre pueda llevar a cabo su dominio sobre todo lo existente en la tierra.
- Individualismo.: valoración de la persona concreta y de las iniciativas personales, culto a la personalidad, ideales como la gloria y la fama transcienden a la propia mente incluso en el arte, por eso hay un auge del retrato, sobre todo funerario.
2) Este cambio trascendental y el resto de innovaciones que acontecen se difunden rápidamente por la generalización del uso de la imprenta y gracias a una serie de adelantos que mejoran los transporte marítimos (brújula).
3) Hay un ambiente propicio para el cambio en toda Europa, pero:
- Hay unos antecedentes: los siglos XIV y XV (bajomedievales), el franciscanismo (en el XIII); las doctrinas de Francisco de Asís eran un canto a la naturaleza.
- Al menos en el aspecto artístico es Italia quien por primera vez lo define o lo siente definitivamente, pero poco antes de que el resto de Europa, que crea su propio renacimiento y lo valoran mejor al compararlo con el italiano.
Está caracterizado por la búsqueda de la belleza por medio de la razón, es decir, se revaloriza, como es lógico, el arte clásico greco-romano y, además, se configura ahora un tipo especial de hombre culto, el humanista.
Se busca la realidad, pero se trata de una realidad desprovista de defectos, una realidad serena y equilibrada, una realidad valorada en sí misma ( en su estado puro), y esto va a significar el triunfo del desnudo y del paisaje.
Se dará gran importancia al arte civil y a los artistas individuales y concretos.
Características y significado. Se toma al hombre como objetivo de la construcción, hay belleza de líneas y equilibrio de masas, predominan la horizontal sobre la vertical, se tiende a conseguir una visión unitaria de la construcción y esto es propio de los interiores y la arquitectura religiosa. Esta visión contribuye a lograr serenidad equilibrio y armonía, que es lo mismo que belleza.
Elementos: la mayor parte de los que lo constituyen se da en la arquitectura clásica, y sería una mera copia a no ser por esa racional búsqueda del equilibrio que hemos señalado como una de las claves del espíritu renacentista, por eso vemos arcos de medio punto, bóvedas de cañón, cúpulas semiesféricas exentas (sin cimborreo). Los capiteles son los de órdenes clásicos, aunque predominan generalmente el corintio y el compuesto, en cuanto a la arquitectura religiosa hay tendencia a la convergencia de perspectiva hacia el fondo.
Existe una revalorización de la planta de cruz griega por el equilibrio intrínseco y también porque esta planta permite mejor que el resto conseguir esa visión unitaria de los interiores.
Es más rápido el triunfo del renacimiento que en arquitectura. Acaso la razón sea que los hallazgos técnicos-constructivos del gótico habían sido muy grandes y eran muy difíciles de anular. Esto ocurre incluso en Italia, donde el gótico había tenido escaso arraigo.
En la pintura hay una búsqueda de objetos nuevos o renovados por la luz, a la que se valora de dos formas diferentes:
a) Valoración plástica: Se utiliza la luz como instrumento para realzar los volúmenes.
b) Valoración pictórica: Se considera a la luz como un medio para poder plasmar el ambiente atmosférico.
Se define "al completo" mucho antes que en otros países. Es acaso el renacimiento más enamorado del arte clásico. Esto es comprensible si consideramos la abundancia de restos de esa civilización en suelo italiano, especialmente de arquitectura y escultura.
Por las razones ya estudiadas su aparición es más tardía que en caso de la escultura o la pintura.
Se generaliza la organización racional del edificio, ya que de ahí dimana la belleza. Es de destacar la denominada "proporción áurea", cuyas medidas eran 1 de alto por 1,61 de ancho.
La claridad del esquema arquitectónico queda patente en :
- Las líneas del edificio.
- El carácter unitario de los planos, por eso se prefieren en la mayor parte de los casos los plano de tipo central (cruz griega).
- Los muros, generalmente desnudos de frescos.
Estas características también son válidas para la arquitectura religiosa, no sólo por la laicización o por mero placer estético, sino con un significado religioso: la claridad estructural y geométrica del edificio se considera un reflejo de la claridad suprema de Dios.
Se produce la máxima revalorización de la arquitectura clásica:
- Arcos de medio punto; bóvedas de cañón.
- Empleo del muro como principal elemento se sustentación (ya no encontramos arbotantes, por ejemplo).
- Gran importancia de la cúpula, pero exenta en el exterior. Tiene dos significados:
a) Expresión de la más hermosa geometría (la esfera, el círculo).
b) Expresión de majestad divina (especialmente en la arquitectura religiosa).
- Columnas con capiteles de órdenes clásicos, pero sobre todo de orden corintio, que fue el más usado por Roma y el mundo medieval.
Se observan importantes diferencias regionales, que son debidas a:
- La fragmentación política de la península italiana.
- Desarrollo económico diferente de los diversos estados.
A pesar de la atracción que siempre ejerce Roma sobre los artistas es Florencia (la Florencia de los Médicis) la capital más importante de la época.
Felipe Bruneleschi. (Muerto en 1446). Construye la Catedral de Florencia. Fue su gran obra, aunque no fue él quien la planeó (no hay que olvidar que esta catedral fue iniciada en el siglo XIV, es decir dentro del estilo gótico).
Es un edificio de enormes dimensiones y se levanta sobre un tambor. Preside Florencia de la misma manera que la torre Eiffel lo hace con París.
Una de las características más notables es su ligereza. Para conseguirlo se emplea una solución técnica que se mantendrá vigente hasta el siglo XIX:
- No se trata de una cúpula, sino de dos cúpulas superpuestas (y huecas entre sí).
Esta sensación de ligereza es la principal diferencia con las cúpulas romanas y bizantinas, embutidas en los muros y mucho más pesadas y compactas.
El Hospital de los inocentes. Es una obra totalmente renacentista. De dos pisos. En ella se observa la "loggia" o pórtico de columnas, abierto y ligero. El piso superior es opaco y con ventanas que por primera vez se rematan en frontón.
San Lorenzo (Florencia).
Se organiza a modo de basílica:
- Tres naves.
- Cubierta plana.
Se trata de uno de los mejores ejemplos de "espacio unitario" de la arquitectura del XV.
Bruneleschi inaugura el tipo de palacio renacentista que se impone durante el siglo XV (por lo menos). Es el palacio Pitti de Florencia.
Tiene un carácter totalmente urbano, sin torres de defensa (por contraste, recordemos las hermosas torres de las Signorias de lo siglos anteriores.
De gran personalidad y "plasticidad", aunque aún conserva cierto sabor medieval (en menor grado, aún existía inseguridad y revueltas en esta ciudades), que se demuestra en el aspecto de masa compacta, con los pisos ligeramente señalados y por los grandes sillares labrados al modo rústico (sin retoques en el flanco que hace frente). Es la técnica llamada "almohadillado", un recurso muy usado en la arquitectura renacentista italiana, pero también en otros países (Palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada. Este tipo de aparejo confiere a la fachada una gran plasticidad.
Michelozzo Michelozzi. Fue discípulo de Bruneleschi. Es ante todo, un decorador.
Dentro de la arquitectura civil hay que destacar el Palacio de los Médici-Ricardi. Imita a su maestro, pero este palacio es menos completo que el de los Pitti.
Emplea una amplia variedad de elementos:
- Almohadillado en el zócalo.
- Muro de superficie casi lisa en el piso superior (el tercero).
En la arquitectura religiosa comienza a utilizar un tipo ce cúpulas, de gran éxito posterior:
- Las recubre, en el interior, con estucos pintados, simulando ángeles, etc, que vuelan sobre un cielo pintado en la cúpula.
- Es este un efecto ilusionista que el barroco llevará hasta el extremo: las cúpulas parecerán como si estuvieses suspendidas en el aire.
León Bautista Alberti. Su personalidad estará influida por Florencia, su ciudad natal y por Roma, donde pasará amplia parte de su vida.
Dentro de los artistas del renacimiento puede ser considerado como un teórico:
- Escribió tratados sobre arquitectura, claves en su tiempo.
- Crea una ciencia arquitectónica, basada en el número y la proporción.
Fue un creador de nuevos tipos arquitectónicos:
- Plantas: Centrales con capillas en contrafuertes, como en el gótico de Cataluña, aunque las dispone con un ritmo alterno (abiertas unas, cerradas otras)
- Fachadas. Como si fueran arcos de triunfo, en recuerdo del arte romano.
Crea sus obras de tal manera que el conjunto pueda inscribirse en un cuadrado, además de poder descomponerse en cuadrados.
Sus obras principales son un reflejo de esas características:
San Andrés de Mantua. De nave única y capilla entre contrafuertes, al modo que ha sido indicado anteriormente. La fachada se dispone al modo de los arcos romanos. Ya había iniciado esta técnica en el inacabado templo de Malatesta en Rímini.
Santa María la Novella (Florencia). La fachada se organiza en dos cuerpos. Se produce el triunfo pleno del cuadrado como elemento clave de la composición.
Palacio Rucellai (Florencia). Le organiza a la manera de Bruneleschi, pero rompe la monotonía de los parámetros mediante pilastras adosadas a la fachada y dispuestas rítmicamente.
Florencia ha perdido su influencia y han aparecido nuevos focos de poder: Roma, residencia de los papas, quienes se convertirán en grandes mecenas y Venecia, la gran ciudad comercial de Adriático.
La primera mitad del siglo se caracteriza por la medida y el equilibrio, puestas en práctica los grandes artistas individuales.
Por el contrario en la segunda mitad del siglo abundarán los tratados, y aunque existan artistas geniales (Vignola, Palladio) lo verdaderamente importante son dos facetas o estilos: el manierismo y la contrarreforma.
Principales artistas.
Bramante. Cronológicamente sólo pertenecen al siglo XVI los últimos años de su vida pero por su obra es plenamente renacentista, es decir, pertenece al renacimiento mejor definido, el que tiene lugar en el siglo XVI.
Se le puede definir como la síntesis del renacimiento arquitectónico. Significa en el siglo XVI lo que Bruneleschi en el XV, es decir, cada uno es la clave de la arquitectura de su correspondiente siglo.
La primera etapa de su vida (prácticamente hasta 1500) transcurre casi por completo en Milán. En sus obras predomina la decoración. Está, pues, dentro del espíritu decorativo propio de Quatrocento. La segunda, cualitativamente más importante esta marcada por Roma. Se siente fascinado por la arquitectura clásica y por la simplicidad arquitectónica de Alberti.
Desaparece de su obra esa inclinación hacia lo decorativo y se irá configurando como un auténtico maestro de la composición arquitectónica.
Para él la arquitectura es orden y medida, proporción y masa. Por este motivo organiza vanos y llenos, luces y sombras.
Obras de su etapa de madurez. Todas ellas fueron realizadas en Roma.
San Pietro in Montorio. Fue costeado por los Reyes Católicos. Es de planta circular, aunque coronado por una cúpula.
Planteamiento de San Pedro (Vaticano).
Planta central de cruz griega con cuatro símbolos religiosos.
Gran cúpula que sufrirá modificaciones:
Bramante la plantea a modo bizantino, es decir, con toda una serie de contrarrestos y sobre cuatro gruesos pilares.
Rafael y luego Sangallo "El joven" tratan de modificarlo no sólo la cúpula, sino también la planta par hacerla de cruz latina.
Miguel Ángel la construye respetando en general las ideas de Bramante.
Más tarde se añadirán adornos y en la planta cuerpos que le den la apariencia de planta basilical que le den el aspecto basilical que tiene en la actualidad.
Obras en el palacio de San Pedro (El Vaticano).
Concretamente construye el pasillo que une el palacio de Nicolás V y el de Inocencio VIII, llamado "belvedere" (mirador). En esa especie de corredor esta su original nichal del belvedere. Es como si el autor hubiese seccionado por la mitad un interior abovedado.
Miguel Ángel. Es un autor fundamentalmente plástico. Nunca olvidará, ni siquiera cuando pinta, su carácter de escultor.
- Preconiza lo que posteriormente será conocido como manierismo. Crea, o al menos lleva al éxito, el orden gigante. Introduce en los edificios diferencias de tensión.
- Utiliza ilusiones ópticas que el barroco adoptará después.
- Impulsa el urbanismo (luego clave también en el barroco).
Obras.
Cúpula de San Pedro del Vaticano. La realiza a la manera de Bruneleschi y no de Santa Sofía, que era la idea de Bramante. La construye más elevada que la diseñara Bramante, simplifica los contrarrestos exteriores que éste había planeado (obstaculizaban la visión de la cúpula por el exterior). Además, la eleva sobre un esbelto tambor para hacerla más rotunda y visible.
Será concluida por su discípulo della Porta.
Fachada de San Pedro. Introduce un pórtico con columnas.
Plaza del Capitolio. Se observa un equilibrio de volúmenes. Se lleva a cabo un valoración del espacio urbano.
Antonio Sangallo "El Joven". Crea el modelo de palacio renacentista romano más común en el Cinquecento.
Es un palacio privado de la rusticidad (almohadillado), propio del palacio florentino, ya estudiado.
Dispone de una fachada llena de dinamismo a base de ornamentos puramente funcionales: alternancia de frontones curvos y rectos sobre las ventanas, pilastras adosadas al muro, pero alternándose varios órdenes en los capiteles.
Palacio Farnesio en Roma.
Se caracterizará por la austeridad, como símbolo de las necesidades impuestas por el concilio de Trento. Es un símbolo de la iglesia inmediatamente posterior a Trento y de la compañía de Jesús, su más fiel portavoz.
En las obras de este estilo se percibe una cierta renovación ( como lo fuera el Císter) que degenerará con el paso del tiempo en el extremo opuesto: profusión ornamental... El barroco. En el caso del Císter derivaría en el gótico.
Representantes.
Vignola. Su obra clave será el Gesú, sede central de la compañía de Jesús en Roma. Es de una funcionalidad total, que vamos a comprobar detallando sus principales características:
- Nave única, con capillas entre contrafuertes a la manera del gótico catalán y de Alberti con la función de aumentar las posibilidades de culto y no distraer la atención del culto del altar mayor.
- Capillas comunicadas entre sí: se potencia la fluidez del tránsito.
- Tribuna en las capillas para que el pueblo y los frailes puedan participar conjuntamente, pero, al mismo tiempo, separados, los frailes en las tribunas y el pueblo en las capillas.
Esta distribución, más que a un criterio "elitista" responde a un deseo de aumentar la capacidad de recepción de personas en el templo.
Giacomo della Porta. Culmina las obras de San Pedro del Vaticano. A él se debe la fachada del Gesú. Para ello simplifica el plan que había preparado Vignola (se había rechazado por parecer demasiado ambicioso y "rico" en ornamentos.
Andrea Palladio. Trabaja en Venecia, pero su espíritu es romano. Tiene rasgos manieristas (empleo del orden gigante). Su influencia es muy grande. Se prolonga hasta el siglo XVIII en Inglaterra y el siglo XIX con la corriente modernista.
- Obras más representativas.
Las Villas. Es en ellas donde mejor plasma sus ideales teóricos y su amor por el clasicismo romano.
Villa Rotonda. Está plenamente integrada en el entorno. De planta central, cubierta con cúpula, fachada cuádruple: pórticos a la romana (uno en cada frente de la casa, incluyendo columnas y el frontón.
Teatro olímpico de Vicenza. Aquí se nota su manierismo: empleo del orden gigante; ilusionismo "óptico": perspectiva fingida...
Basílica de Vicenza. Manierismo y movimiento en la fachada (como luego haría el Barroco), orden gigante, juegos de luces y sombras.
Se caracteriza por el idealismo neoplatónico: la belleza de las formas tanto en la naturaleza como en el cuerpo humano (desnudo). Del arte narrativo, propio de la edad Media, pasamos a un arte señorial, es decir, un arte que tiene interés por sí mismo.
Se concede gran importancia a la escultura civil y al artista como individuo (culto a la personalidad).
Florencia
Lorenzo Ghiberti.
Ante todo es un gran broncista. Su escultura es elegante, detallista (parece la labor de un orfebre), de efectos pictóricos. En sus relieves hay:
- Profundidad (perspectiva).
- Paisaje.
- Atmósfera (ordena la composición en planos que valoran la luz y la sombra).
Tiene un gran dominio de la técnica.
Sus principales obras son los relieves en dos puertas del baptisterio de Florencia (recordemos la característica del gótico italiano de separar del cuerpo principal del templo el baptisterio y el campanille. Se trata de verdaderos relieves pictóricos.
En una de ellas desarrolla el tema del sacrificio de Isaac, en numerosas escenas y de pequeño tamaño.
En la otra, que mereció ser llamada por Miguel Ángel, puerta del paraíso, o de la gloria. En ello desarrolla escenas de considerable tamaño, el carácter pictórico de sus relieves llega al máximo (detalles, ambiente).
Jácopo della Quercia.
Anuncia el estilo de Miguel Ángel. No es detallista como Ghiberti, sino ampuloso. Es pues, la suya, una escultura plástica y no pictórica, como la del maestro anterior. Nos ofrece:
- Formas amplias.
- Masas voluminosas.
Obras.
Relieves en las fuentes
bautismales de la catedral de Siena.
Fuente de la plaza de la
Signoria de Siena.
Destaca como escultor de este tipo de monumentos urbanos; de tal modo que en ocasiones se le conoce como "el maestro de las fuentes".
Donatello.
Fue el más fecundo y activo de ellos.
Es un gran técnico, conoce y practica las técnicas más variadas.
Tiene una compleja personalidad artística, es decir, le estimulan diversas influencias: el periodo clásico, durante el cual el hombre era considerado la razón de ser del universo). Trabaja sobre distintos temas (desnudos, retratos ecuestres). Otra influencia apreciable es la de la Edad Media, caracterizada por el expresionismo (representa en sus obras los estados de ánimo, contienen las diferentes fases de la vida), no se detiene ante lo feo y lo macabro.
Desarrolla todos los géneros, incluido el relieve pictórico.
Obras.
Tema de DAVID.
David del museo de Bargello. Muy clásico, de gran belleza formal, hecho en mármol.
David en bronce. El más conocido de todos. Joven, de tipo praxitélico (se puede observar la curva praxitélica), y tocado con un típico toscano (sombrero de paja). Es el primer desnudo masculino de bulto redondo del renacimiento.
San Jorge. Se le considera el prototipo del caballero cristiano: sereno, elegante. Es de pose firme y sin la incurvación de obras anteriores. Desafiante, anunciando la "terribilitá" de Miguel Ángel.
El profeta Habauc (El zuccone o pepino) y por amplitud "El calvo". Es un anciano calvo y decrépito, pero lleno de dignidad y nobleza.
Relieves de las fuentes bautismales de la Catedral de Siena. Destaca el Banquete de Herodes.
Son figuras llenas de vida y movimiento. Denotan una gran influencia del arte romano. Por aquel entonces Donatello había estado viajando por Roma.
Retratos. Crea un tipo especial de retratos: busto en terracota (barro cocido) policromada.
Realiza el primer retrato ecuestre del Renacimiento El Gattamelata, en Padua.
Es el retrato de un condiotero (caudillo militar) de la ciudad.
Está inspirado en Marco Aurelio y es un claro ejemplo de la influencia clásica en el autor:
- Robustez del caballo y del caballero.
- Equilibrio de proporciones.
Se observa el uso de la línea cerrada: el caballo apoya la pata sobre una bola. Con esto se consigue aumentar la sensación de equilibrio.
Finalmente, en esta obra se realiza un verdadero análisis psicológico del guerrero.
Elabora, asimismo, una obra en madera, tremendamente expresionista La Magdalena (en el Baptisterio de Florencia).
La Familia della Robia: Lucca, Andrea (sobrino suyo) Giovanni (hijo de Andrea).
Lucca della Robia.
Crea una nueva técnica: barro cocido esmaltado. Se trata de un material frágil, pero inalterable. Compondrá temas nuevos adecuados a este tipo de material: Vírgenes con niño, de movimientos suaves dulce sonrisa, y con una presentación típica:
- Fondos azules.
- Figuras en tonos claros e incluso blancos.
- Orlas de frutas y flores envolviendo el conjunto, a todo color.
Trabaja también el mármol, pero dentro de las condiciones anteriormente mencionadas.
Obras.
Cantorío de la Catedral de Florencia. Realizado en mármol, con diversos medallones en barro cocido esmaltado.
Andrea.
Su estilo está en la línea de su tío Lucca, aunque Andrea tiene menos creatividad.
Su obras más famosas son los medallones en terracota para el Hospital de los Inocentes en Florencia. Son imágenes de niños, de aspecto tierno y desvalido, que inspiran compasión.
Fuera de Florencia los autores principales son broncistas que recuerdan a Donatello (incluso en la técnica).
Andrea Verrochio. Pintor y orfebre, además de escultor.
David. Está en la línea del de Donatello, aunque tiene más gracia, e incluso picardía. En esta obra se observa más movilidad y vida (sobre todo en el rostro).
Condotiero Colleoni, en Venecia.
Es su obra maestra, aunque él sólo funde directamente el jinete, muere dejando inacabado el caballo, ya que la continuación de la obra seguirá sus planteamientos.
A diferencia del Gattamelata (de influencia clasicista), el Colleoni denota romanticismo: pasión y movimiento (caballo y jinete se lanzan hacia delante, sin el equilibrio de la obra de Donatello)
Antonio del Pollaiuolo (Roma).
Extrema el expresionismo de Donatello llegando a:
- La pasión.
- La minuciosidad de veracidad en el detalle (es un gran anatomista).
Obras. Son, principalmente de tipo funerario, en la línea extremadamente realista que acabamos de describir. Destacan dos mausoleos: San Pedro de Roma, realizado para el Papa Sixto IV. Con él se crea un tipo de túmulo característico, posteriormente imitado en España. Dicha obra se caracteriza por su forma de pirámide truncada con los frentes curvos y adornados con relieves. No contiene cenizas. Su utilidad es meramente decorativa.
Mausoleo para el Papa Inocencio VIII.
Está hecho en bronce, como el anterior. Se trata de un modelo de sepulcro que luego sería muy utilizado en la Italia del siglo XVI:
El difunto se representa en dos posturas simultáneas:
- yacente,
- sentado.
En torno suyo hay representaciones alegóricas: virtudes.
La primacía pasa a Roma. En lugar del gusto por el detalle y las formas menudas las representaciones se caracterizarán por la grandiosidad de formas y la simplificación de los detalles.
El relieve (sobre todo el relieve pictórico), cede en importancia ante la escultura exenta de gran tamaño en la mayor parte de los casos.
Cronológicamente hablando se pueden distinguir dos partes:
a) Primera mitad del siglo.
b) Segunda mitad del siglo.
A) Primer mitad del siglo. Ocupada
plenamente por la figura de Miguel Ángel.
Aunque cultiva todos los géneros, como Leonardo y Rafael, se considera ante todo un escultor. Es admirado (aún durante su vida) incluso por sus obras inacabadas, que son numerosas. Algunas de ellas lo están ex professo.
Posee una rica personalidad, ya que además de cultivar todas las artes plásticas compuso obras poéticas. Es, asimismo, compleja, pues le acosan los más diversos estados de ánimo (lo que plasmará en sus obras). Por último podemos decir de él que poseía una amplia formación.
La clave de su personalidad se encuentra en el dramatismo ( lo que será denominado terribilitá), fruto de:
- Su propio temperamento. En él se conjugan idealismo y rebeldía. Es tan inconformista que no le gustan las obras de Leonardo y por supuesto, tampoco las suyas propias.
- Los contactos que tiene con Savoranola en Florencia durante su época de juventud.
Los objetivos de su investigación en la escultura se pueden resumir en:
- Problemas derivados del movimiento y la composición.
- El deseo de querer dominar el espacio. Puede hacerlo porque controla y domina totalmente la materia: puede esculpir directamente grandes bloques sin trocearlos (una muestra de ello es su David).
Expresa su dramatismo, pero sin llegar a la explosión (esto lo hará el barroco). Sabe reprimir sus pasiones, aunque se sientan estallar bajo el mármol.
Es aun un clásico: Exalta por igual (existe equilibrio), la fuerza física (grandes masas) y la fuerza psíquica (pasiones grandes, pero contenidas).
Obras más representativas.
- En su primera época, en la Florencia de los Médicis, se observa la influencia de Donatello, tanto en las técnicas como en los temas (relieve pictórico).
Batalla de Lapitas y centauros.
Madonna della escalera. Es un relieve pictórico de un detallismo tal que la influencia de Donatello es palpable.
- David. En la plaza de la Signoría de Florencia.
Hecho en mármol y de una sola pieza, labrada directamente sobre un bloque que había sido despreciado por otro artista.
En esta obra se refleja el movimiento en potencia: David se prepara para la acción. Es, por tanto una manifestación llena de clasicismo, pero en la que se intuye toda una tensión espiritual: manos dobladas, rostro tenso...
El autor realiza un estudio anatómico perfecto: incluso en lo que se considera como un fallo es un acierto, porque si David tiene miembros desproporcionados, ello se debe a que se retrata a una adolescente, sin haberse desarrollado completamente.
- Escultura funeraria. Proyecto para el mausoleo de Julio II. Realizado en mármol. Obra muy ambiciosa, que por tener otros muchos encargos de otro tipo y por presiones cuando hubo muerto el Papa, nuca pudo acabar, a pesar de que le ocupó toda su vida a partir de 1501. Ni siquiera se encuentra en San Pedro, lugar para el que se proyectó.
Las obras que consigue terminar son, influidas claramente por el grupo del Laocoonte, descubierto en 1506, cuando Miguel Ángel trabajaba en el Moisés son:
Lía y Raquel, en la que exalta la vida contemplativa.
Los esclavos. Los dos mejor terminados están en el museo del Louvre. De simbología aún no aclarada, aunque parece que son un vivo recuerdo de los hijos del Laocoonte.
Moisés. Recuerda el rostro y la tensión de Laocoonte, aunque no se puede apreciar en toda su grandeza por encontrarse en una hornacina.
La terribilitá llega a su máxima expresión, aunque no llega a romperse el equilibrio entre los físico y lo espiritual.
El movimiento tampoco está en el acto: Moisés hincha sus venas indignado, pero queriendo contener su ira.
Sepulcros de los Médicis. En San Lorenzo de Florencia. Mármoles y tampoco en esta ocasión pudo completar el proyecto inicial. Destacan las figuras de los dos Médicis. Ambos están sentados, posición que es la más usual en el primer renacimiento. Son dos personalidades de distinto temperamento (retrato psicológico). Julián aparece como un general (soberbio y airoso), Lorenzo pensativo, con la cabeza apoyada en la mano. Por eso se le denomina "Il pensierososo".
Las alegorías. Se trata de una obra compuesta por cuatro figuras cada una simboliza partes del día:
- La aurora. Una mujer desperezándose.
- El día (en su plenitud). Un joven musculoso.
- El crepúsculo (la tarde). Un viejo decrépito.
- La noche. Una mujer robusta (porque al estar llena de fuerza anuncia la aurora).
Diversas obras sobre el tema de la Piedad.
Hizo varias a lo largo de su vida, y a través de ella puede seguirse la evolución de sus sentimientos, de su lucha interna.
Las más representativas son:
- La piedad de San Pedro del Vaticano (1498-99). Fue realizada en un sólo bloque de mármol. Sufrió un atentado hace varios años.
Es una obra llena de sentimiento y equilibrio, de refinado acabado.
Es de composición piramidal y cerrada (perfecto equilibrio de volumen). Muestra de la belleza idealizada (la virgen tiene rostro de niña). Este hecho quizás se deba por no querer representar a una madre en concreto, sino al ideal de la virginidad.
- La piedad de la catedral de Florencia. (1550-1553). En San José de Arimatea el autor plasma su propio rostro (como un viejo acongojado).
- Piedad rondanini. (1550). Hecha inicialmente en Roma, en la actualidad se encuentra en Milán. Expresionismo al máximo. Son puras formas desecadas, apenas sin desbrozar: muestran la dramática soledad de la Virgen, como espectro fundido íntimamente con el hijo muerto. Ese espíritu es, sino barroco aún, si manierista. En esta obra el autor ha roto con lo que fue una constante en su vida de escultor (la armonía y el equilibrio entre lo físico y lo espiritual. Para comprenderlo, hemos de recordar que, en los últimos años de su vida, Miguel Ángel es un hombre enfermo y amargado; incluso ha fracasado en su vida sentimental.
B) Segunda parte del siglo (Manierismo).
El autor que impulsa directamente la escultura renacentista hacia el manierismo es Miguel Ángel, en cuanto, como acabamos de describir, al final de su vida rompe ese equilibrio clásico, puramente renacentista, entre lo físico y el mensaje interior de la obra.
El manierismo no es un estilo fácil de definir, ni siquiera es algo unitario:
Hay un manierismo por antonomasia, el que estamos analizando, pero algunos críticos admiten una fase manierista en cada uno de los estilos de la historia del arte.
Incluso si nos ceñimos al manierismo propiamente dicho, existen dentro de él diversos aspectos o facetas que iremos señalando al estudiar los artistas más representativos.
En esta época se produce un cambio de la iconografía, especialmente de tipo religioso a causa de las disposiciones del Concilio de Trento (1563). En consecuencia:
- La fantasía tiene que ser frenada por la razón.
- Hay que evitar cualquier posible desviación dogmática en los fieles.
- Los temas más representados no son los cruentos, sino los que cantan la glorificación y el triunfo de la Iglesia (recordemos que la Iglesia católica se encuentra en pugna con las protestantes.
Las características más significativas son:
- El alargamiento desproporcionado del canon.
- La forma "serpentinata" : arabescos de líneas (con ritmo helicoidal).
Benvenuto Cellini. El virtuosismo en el oficio.
Es un gran técnico, y, además, un teórico: escribe el famoso "Tratado".
Destaca como broncista y orfebre.
Debido a su vida agitada y un tanto viciosa viaja y trabaja mucho fuera de Italia.
Obras.
Ninfa de Fointenebleau. Obra realizada para Francisco I de Francia.
Perseo. Estatua y pedestal son un auténtico trabajo de orfebrería hecho en bronce.
Perseo, con la cabeza de la Medusa aún sangrante, es, esencialmente, una forma bella. Se ha roto, en beneficio del aspecto físico, el equilibrio cuerpo-espíritu.
León Leoni y Pompeyo Leoni. Padre e hijo. Búsqueda de la corrección académica.
Familia de broncistas milaneses.
Realizarán su más importantes obras en España, en las cortes de Carlos I y Felipe II.
Juan de Bolonia. La quintaesencia del manierismo.
Es un artista franco-flamenco, nacido en Bolonia o Douai. Sus obras son un arabesco de líneas: curvas y contracurvas sin ningún dramatismo. Tienen como objeto adornar plazas, como la de Florencia.
Obras.
Venus peinándose. Es una de sus obras más bellas. Toda ella es un bello juego de curvas: el cabello, el vaso de perfumes que la acompaña.
Fuente de Ispletto.
Representación antropomórfica de los ríos (Ganges, Eúfrates, Nilo y el Océano). Será un tema repetido en el barroco.
Mercurio. De bronce. Es considerada la más bella representación del manierismo escultórico y un triunfo rotundo de la línea abierta (Mercurio se alza sobre un sólo pie, como en un paso de danza).
Rapto de las sabinas.
En mármol. Se trata de un grupo de tres figuras totalmente manierista: su esquema es vertical, lo que es normal si recordamos la tendencia del alargamiento del canon. No se percibe ningún rasgo de dramatismo, como si se tratase de una escena de ballet.
En el cuatrocentto aún tienen mucha importancia los problemas técnicos. Los intelectuales comenzarán a tener una destacada presencia en la vida social. Dentro de ellos los humanistas, fundamentalmente seglares o de espíritu laico, al menos.
Se pasa del realismo flamenco a la idealización italiana (aunque es una idealización mantenida dentro de marcos reales. Se pasa del aristotelismo, que valora lo real, al platonismo (que defiende lo ideal), como aglutinante de ese realismo aristotélico. Por este motivo se habla de realismo idealizante.
Comienza a extenderse el espíritu científico. La geometría y las matemáticas se imponen en la pintura (como ocurre con otras artes). Por ese motivo: hay una búsqueda de la perspectiva (elemento geométrico), se hace de la pintura una proyección de la ciencia de los números: armonía y proporciones en la composición pictórica.
Se siente un afán por dominar el mundo visible por medio de la inteligencia. Rafael es quizás, uno de los mejores ejemplos de este deseo.
La pintura ya no es lineal, como lo era en el Románico y en el gótico. Durante el medievo, las líneas y el color eran elementos meramente ornamentales de la composición. En el cinquecentto se busca plasmar el espacio real:
- Obras de bulto pleno (plasticidad).
- Empleo de las tres dimensiones (perspectiva).
Ahora hay mayor diversidad y más variedad de problemas pictóricos. Concretamente hay más cantidad de:
- Problemas pictóricos.
- Artistas.
- Escuelas.
Problemas pictóricos. Como el de la perspectiva. Algunos autores (Ucello) van a considerarla como la suprema expresión de la belleza.
El paisaje. No con el estudio pormenorizado y minucioso que se hace en Flandes; aquí se considera al paisaje como medio de lograr profundidad.
1º. Luz.
2º. Proporciones.
3º. Color.
Ni en este siglo ni en otro periodo de la Historia del arte podemos hablar de avance de manera absoluta, sólo relativamente, y en todo caso debemos hablar más bien de cambio y evolución.
Se cultivan todo tipo de géneros.
Mural. Casi todos los artistas de este siglo son grandes fresquistas.
Caballete. En este género predominan la tabla en cuanto a soporte, el temple en cuanto a técnica y durante la segunda mitad del siglo se impondrá el óleo, técnica en la que Venecia será la pionera, algo lógico, pues el cromatismo ha sido algo siempre característico de esta escuela.
En la primera mitad del siglo los rasgos predominantes serán:
- El clasicismo.
- La sobriedad.
- La plasticidad.
- El interés por la perspectiva.
Perviven algunos maestros encuadrables, total o parcialmente, en el Gótico internacional, como Fray Angélico.
La segunda mitad del siglo se caracteriza por la influencia de la pintura flamenca:
- Afición por el detalle y en ocasiones, lo anecdótico.
- El empleo del óleo como técnica.
A) FLORENCIA.
En Florencia destaca la presencia de autores que utilizan la técnica del fresco, aunque se cultiva el caballete.
Fray Angélico. Llamado el "místico".
Es aún un gótico de espíritu. Nos trae a la tierra las más sublimes creaciones del espíritu.
Sus obras, de carácter místico, tienen un tono amable, son temas gozosos y casi nunca trágicos. En este último caso, las obras están también inundadas de misticismo.
Es un gótico muy cercano al espíritu de Siena, en su inspiración miniaturista:
- Amor por el ritmo curvo (líneas curvas).
- Color preciosista.
- Empleo de dorados.
Al mismo tiempo es moderno, ya que, al menos en alguna de sus obras (frescos sobre las vidas de los santos Esteban y Lorenzo en la capilla del Papa Nicolás V en el Vaticano) y por su interés:
- Por la ciencia.
- Por la perspectiva.
- Por la anatomía de los personajes.
Principales obras.
- Pinturas de la etapa gótica conservada en el convento de San Marcos de Florencia.
- Frescos del Vaticano (para Nicolás V).
- Cuadros de caballete: La anunciación. Uno de ellos está en el museo del Prado.
Massacio. Representa la cumbre en la conquista de los valores táctiles.
Busca ante todo corporeidad y plasticidad en la pintura.
En este aspecto, podemos decir que encarna a la perfección el eterno y típico espíritu de Florencia.
Valora los problemas tan propios de la modernidad como:
- La plasticidad (enlaza con Gioto).
- Perspectiva horizontal. Quizás en este aspecto una de sus obras más representativas sea El tributo al César.
Esta obra fue tomada como ejemplo por muchos de sus contemporáneos. Se encuentra en la capilla Brancacci de la Iglesia del Carmine de Florencia.
Hay que tener en cuenta un detalle: la figura de espaldas en primer plano, confiere a todo el cuadro movimiento y consistencia plástica.
Obras.
Sobre todo los frescos de la Iglesia del Carmine de Florencia: Tributo al César, Adán y Eva.
Fray Filippo Lippi.
Trata frecuentemente temas religiosos, pero en la tierra; es decir, no participa del misticismo de Fray Angélico ni en su obra ni en su vida (Filippino Lippi, su hijo, también será pintor).
Ante todo valora:
- en lugar del fondo plano, el paisaje. Lo utiliza para contrastar figuras.
- el movimiento. Salomé danzando, en el fresco del Festín de Herodes, en la Catedral de Prato.
- el gusto por lo anecdótico.
Así pues anuncia actitudes que van a ser propias de la segunda mitad del siglo.
Obras.
Entre otras el conjunto de frescos de la Catedral de Prato, antes citada, aunque también tiene obras de caballete.
Andrea del Castagno.
Desarrolla al máximo el plasticismo. Por ello sobrevalora:
- El volumen de masas.
- La geometría: sus cuadros son puros espacios geométricos.
Obras.
Frescos del Cenáculo de Santa Apolonia, Florencia. Allí se encuentran extraordinarias figuras de hombres célebres.
Paolo Ucello. Esencialmente es un geómetra; pero, además, tiene otros objetivos:
- Composición como base de toda obra.
- Geometría.
- Como consecuencia de lo anterior búsqueda de la perspectiva (es considerada la máxima expresión de la belleza).
A estos objetivos sacrifica, si es preciso, el color. Lo tenemos bien patente en su famoso retrato ecuestre del condiottero inglés John Hawkwood de la catedral de Florencia.
Este es un cuadro casi "cubista", al decir de algunos críticos, y desde luego, claro precursor del Gattamelatta de Donatello.
Su mayor lucimiento lo encuentra en pinturas de batallas: las lanzas, los escorzos en las posturas... le sirven para lograr:
- Perspectiva.
- Sensación de profundidad.
Obras.
Una serie de cuadros llamados genéricamente De las batallas, que se encuentran en el museo de los Ufizzi en Florencia.
Piero della Francesca.
Teórico y pintor. Sabe armonizar su interés por los volúmenes y la plasticidad (en la línea que hemos señalado típica de esta mitad del siglo) y la perspectiva geométrica (como Ucello), con el interés por la luz.
Considera a la luz elemento creador de plasticidad, hace patentes y resalta las figuras.
Es una luz fría, "congelante" (al modo que hará el tenebrismo posteriormente), que en él tiene carácter de símbolo: la perfección de lo creado por Dios, eterno e inamovible (como esa luz que petrifica formas y pintura)
Obras.
- Frescos. Templo de Malatesta (Rímini), frescos
en San Francisco de Arazzo con el nombre genérico de La leyenda de la cruz. De entre ellos
destaca por su tenebrismo El sueño
de Constantino.
- De caballete. Retrato de los duques de Urbino.
Ghirlandio.
Su estilo recuerda al del flamenco Van der Goes. Sus pinturas muestran: escenas amplias, disposición simétrica en los grupos. En Ghirlandio lo profano destaca sobre lo religioso (concesión al clasicismo). Es quizás, en estos momentos quien mejor representa ese gusto por lo anecdótico y por el entorno circundante. Los temas de su obra son preferentemente profanos. En los religiosos se observan detalles de modernidad, como son:
- La presencia de personajes de su época.
- Escenarios de la época: palacios renacentistas...
Obras.
Adoración de los pastores de la Iglesia de la Trinidad de Florencia. Es la obra donde el recuerdo de Van der Goes resulta más intenso.
Diversos retratos de damas florentinas al caballete.
Frescos de Santa María Novella (Florencia).
Sandro Boticcelli.
Abre las puertas del bajo renacimiento, es decir, del Cinquecentto.
Lo más importante de su obra, no es ya el fresco, sino las pinturas de caballete. Algunas de sus obras se pierden durante los años de fanatismo desatado por Savonarola.
Botticcelli tiene ideales plenamente modernos (plenitud renacentista):
- Arte clásico. Tanto en los temas como en el modo de tratarlos.
- Mitología.
- Naturaleza, incluyendo el desnudo Nacimiento de Venus.
- Sentido del ritmo.
- Como consecuencia de lo anterior puede observarse un equilibrio entre movimiento y el cuidado por la línea. Es un gran dibujante. Sus líneas son, al mismo tiempo: rotundas y firmes, difuminadas en puro arabesco.
Influido por Savoranola evoluciona desde esa especie de "paganismo" (amor por la mitología) a la valoración del aspecto religioso en sus últimas etapas (una valoración cargada de dramatismo, además).
Obras.
Abundantes temas mitológicos. Dentro de ellos destacan varias célebres alegorías:
- La calumnia.
- La primavera.
- El nacimiento de Venus.
En sus últimos años,por influencia de Savoranola, sus obra abordan frecuentemente temas religiosos y están llenas de dramático expresionismo: La piedad de Milán.
B) SIENA, UMBRIA, ROMA.
La escuela de Siena está prácticamente agotada. Su espíritu era diferente al moderno, tal y como lo hemos analizado. Aunque fuera de ella Fray Angélico supuso la culminación del estilo propuesto por Siena.
La escuela de Umbría se caracteriza por su preocupación por el espacio abierto, sus paisajes llenos de claridad expositiva y una luz que lo inunda todo.
Principales artistas.
Luca Signorelli.
Exaltación dramática extremada. Es un auténtico precursor de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina.
Es una personalidad un tanto independiente dentro de a escuela umbra, aunque participa de las características básicas de ella.
Su obra supone un rotundo triunfo de:
- La plástica. Cuerpos en escorzo y de gran interés por la anatomía. El desinterés por el color.
- El sentido de lo trágico, pero de una forma contenida, como si la composición estuviese petrificada.
Cultiva el desnudo, pero con afanes no estéticos, sino plásticos: por el volumen y la masa que le permiten plasmar.
Obras.
Fundamentalmente frescos de la catedral de Orvietto: Juicio final.
Pinturicchio.
Tiene un carácter marcadamente orientalizante:
- Color exuberante.
- Lujo en todo: escenarios, detalles. Y ello aunque tenga que recurrir al uso de dorados.
- Amor por lo anecdótico.
Obras.
Frescos de los apartamentos (salas) de los Borgia en el Vaticano Disputa de Santa Catalina.
Frescos de la biblioteca de la catedral de Siena: escenas de la vida del papa Pío II.
Perugino.
Formado en Florencia, trabaja principalmente en Perusa.
Es un precursor de Rafael:
- Sensible (acaso en extremo, buscando el aplauso popular).
- Sensual y de formas mórbidas.
Tiene cierta pereza mental (se repite mucho) y un curioso contraste entre sus frecuentes representaciones de temas religiosos y su probada falta de religiosidad personal.
Obras.
Frescos de la Capilla Sixtina: Entrega de las llave a San Pedro.
En Roma no se ha formado ninguna escuela en estos momentos, sino que es el lugar de trabajo esporádico de casi todos los grandes artistas.
Los frescos de la Capilla Sixtina del Vaticano son, sin duda, el más monumental conjunto de la pintura italiana del siglo XV. En su elaboración colaboran todos los grandes pintores florentinos del momento.
C) PADUA Y FERRARA.
En estos lugares, especialmente en Padua hay contactos con Florencia, algunos de cuyos grandes artistas trabajan en algún momento aquí: Donatello, Piero della Francesca, Ucello...
Andrea
Mantegna.
Es un gran plástico. Más que pintar parece que cincela sus formas: sus líneas son rotundas.
Emplea severas y monumentales arquitecturas como digno marco para tales figuras.
Domina la perspectiva, pero en cuanto tiene sentido plástico:
- Suele utilizar un punto de vista bajo, algo muy usado en Venecia. Así parecen más monumentales aún sus figuras, y en el caso de las bóvedas, resultan como si estuvieran proyectadas hacia el cielo (recurso que luego será la clave del Barroco).
- Domina todos los problemas que plantea la perspectiva y en especial son célebres sus escorzos: Cristo Muerto (Milán).
- Generalmente no siente preocupación por el color, aunque si le interesa lo domina (cielos con nubes).
- Uso del dramatismo. Acaso, porque al crujir las figuras por el dolor, se acentúan los claroscuros ( lo que proporciona a la obra mayor plasticidad).
Obras.
- Frescos de la Cámara de los esposos (Mantua). Las figuras parecen proyectadas hacia el cielo (ilusión óptica; claro preludio del barroco)
- su obra clave es Cristo muerto (museo Brera, Milán). Verdadero "Tour de force" (suprema expresión) de la ciencia compositiva, dibujística y de la perspectiva.
En Ferrara hay que señalar a Cosme Tura.
D) VENECIA.
Una de las claves para entender las características de la pintura de esta escuela es su orientalismo. Esto se produjo gracia a la proximidad de la ciudad a Bizancio, de tradicional comercio con el lejano oriente. Por estos motivos Venecia cultiva la luz y el color.
Ambas características están justificadas por:
- Su cielo, especialmente luminoso.
- Su intrínseca vinculación con el agua: emplazamiento sobre una laguna. El agua es fuente inagotable de reflejos y luminosidad.
Se produce un gran interés por:
- El detalle y lo anecdótico (valoración de la vida ciudadana y social).
- El paisaje urbano (orgullo cívico que les lleva a una continua exaltación de su ciudad, como ente físico).
Predomina las obras de caballete al óleo.
Artistas.
Dinastía de los Bellini: Jácopo, Gentille y Giovanni (hijos suyos).
Gentille.
Pionero de la pintura paisajística urbana y del óleo sobre tela.
Giovanni.
Fue un gran retratista, sobre todo de Madonnas. Con cierto gusto dramático (a la manera de Mantegna), pero más suave y delicado que el paduano.
Vittore Carapaccio.
Es un auténtico maestro en la plasmación de:
- Multitudes.
- Detalles.
- Luz dorada (luz, que por otra parte era muy típica y querida por la escuela veneciana).
Antonello de Mesina.
Siciliano afincado en Venecia, pero educado en Flandes. Introduce en Venecia el empleo del óleo.
Para concluir muestro estudio de la pintura italiana del siglo XV, vamos a señalar que existía un escaso interés, a diferencia de lo que ocurría en Flandes, por la miniatura, cultivada, generalmente por artistas de segunda fila que se limitan a copiar en la mayor parte de las veces, las obras de los grandes maestros.
Supone la culminación del renacimiento, y a la vez, el comienzo de su crisis, el manierismo.
El siglo XV ha resuelto los problemas técnicos. En el XVI queda como aspecto fundamental el contenido.
Una de sus características más importantes es el clasicismo, que es llevado a sus más extremos límites:
- Búsqueda de la belleza en cuanto a la composición, que se llenará de claridad y en cuanto a la pérdida de interés por el detalle.
- Se cultiva de forma generalizada el desnudo, especialmente el femenino.
La modernidad de la época se traduce en la continuidad del interés por:
- El movimiento.
- La luz, pero concebida como ambiente, una luz que integra las figuras y desdibuja los perfiles.
Como consecuencia de ese especial interés por la luz y como gran novedad respecto a la centuria anterior, en el siglo XVI hay un interés por los valores puramente pictóricos (no hay plasticidad).
Es una pintura propiamente dicha y no pintura escultórica (escultórica es una pintura que valora la plasticidad por encima de los valores puramente pictóricos).
Todos los elementos de la obra se toman en sentido pictórico: luz, movimiento, color, formas, y no por su plasticidad.
Se produce un cambio en cuanto al centro promotor:
Continúa a la cabeza Florencia, al menos en teoría: ella es la patria de los grandes artistas. Sin embargo las mejores obras de esos y otros artistas se hacen en Roma. Venecia sigue conservando su fuerte personalidad.
Leonardo da Vinci.
Forma, junto a Miguel Ángel y Rafael, la gran tríada del renacimiento pictórico italiano. Es, además, uno de los más altos genios de la humanidad.
Tiene un espíritu complejo:
- Es un auténtico científico: técnico, diseñador, anatomista.
- En cuanto al arte, se siento, sobre todo pintor (en esto se diferencia de Miguel Ángel, fundamentalmente escultor).
Hay dos claves en su pintura:
- Movimiento. Cuida mucho el dibujo. La composición se hace a base de triángulos.
- La luz. es concebida de un modo especial, no como una gradación paulatina de tonos coloreados, sino como una lenta fusión del claroscuro. En eso consiste su famoso "sfumatto".
En conexión con ese modo de concebir la luz valora:
- El dibujo. Es un genuino dibujante. Usa una técnica especial.
1º) Dibuja en gris.
2º) Colorea con colores transparentes.
- Los colores. Son neutrales, porque no le interesa valorar los tonos como creadores de volúmenes (no tiene intereses plásticos).
Como consecuencia de estas dos claves, y sobre todo de este modo especial de tratar la luz, va a crear el "sfumatto":
- De este modo hace del cuadro una superficie suavemente aterciopelada que, (como si una gasa cubriera el cuadro), desdibuja los contornos, funde figuras y ambiente.
- Se trata de una conquista de doble signo:
a) Técnico.
b) Estético. Preludia el romanticismo por ese misterio indefinible en sus cuadros.
Obras.
a) Florencia. Anunciación. En el palacio de los Ufizzi.
b) Milán. La últimas cena. Esta obra aporta una gran novedad: los apóstoles se organizan en grupos de tres, lo que significa:
- Orden cerrado.
- Concepción del cuadro como reflejo de un orden universal.
- Excelente estudio psicológico de los apóstoles.
Cuando cae su protector, Ludovico el Moro de Milán (1499), comienza su vida errante. Sus obras son de tipología y están diseminadas en los diversos países donde trabajó. Sin duda, lo más importante de su producción en esta etapa lo realiza en Florencia y en Francia. De entre sus obras destaca La Gioconda (1506).
Rafael.
Natural de Urbino, tuvo una vida corta, pero plena de producción: sus pinturas son sin duda más numerosas que las de Miguel Ángel o las de Leonardo.
Es el autor que mejor representa el clasicismo, en cuanto a sus pinturas.
Es un verdadero técnico de la pintura. Asimila tendencias y aportaciones diversas:
- De Perugino, la composición espacial equilibrada, clara y racional.
- De Leonardo las formas suaves y la composición triangular.
- De Miguel Ángel la tremenda espiritualidad (fuerza interna de las obras).
Esto no significa que estemos ante meras reproducciones: Rafael integra todas esas influencias en su propia personalidad.
Es un autor realista, pero idealizante (a la manera platónica). Cuida de la línea, y en especial de la línea curva; es un gran dibujante.
Utiliza colores claros y esmaltados. Es un gran colorista.
Obras.
En Urbino realiza pequeños cuadros llenos de gracia juvenil.
Cuando se traslada a Perusa acusa directamente la influencia de Perugino, en especial en cuanto a la atracción por la sensibilidad popular.
Una obra nos lo demuestra de forma patente: Los desposorios de la Virgen.
En Florencia acusa intensamente la influencia de Leonardo en Madonnas y paisajes de composición piramidal.
Los personajes suelen ser:
- El Niño.
- La Virgen.
- San Juan Bautista.
La Virgen de jilguero, La bella jardinera.
Acudirá a Roma a requerimiento de Julio II. Realiza grandes cuadros de altar. Acusa la influencia de Miguel Ángel. Entre sus obras de esta época, conviene destacar sus "tondos", cuadros de forma circular u oval, de entre los que destaca la Madonna de la silla.
Elabora diversos retratos de excelente diferenciación personal (retratos de gran carga psicológica).
- Papas: Julio II, León X.
- Nobles: Baltasar de Castiglione.
Lleva a cabo espléndidos frescos:
- Para el Vaticano:
Las estancias (salas). Aquí el arte de Rafael es verdaderamente monumental (crea incluso grandes arquitecturas fingidas): Disputa del Santísimo sacramento. En La escuela de Atenas intenta conciliar el pensamiento griego y el latino.
Diversas cámaras (habitaciones). Se observa la misma tendencia a crear un arte monumental.
En las "loggias" (pasillos o corredores).
- Para diversos palacios.
Quizás la obra más importante la realiza para el palacio de la Farnesina con temas incluso mitológicos en algunas de las bóvedas: Amor y Psiquis.
Miguel Ángel.
Ante todo se siente plástico (escultor). Repite, en pintura, los mismos tipos de sus esculturas.
Elimina al máximo el paisaje y se concentra en el modelado: crea volúmenes netos y gigantes (siempre está viva la influencia del Laocoonte.)
Realiza violentos escorzos (buscando el para él tan querido EQUILIBRIO DINAMICO)
Siente poco interés por el color.
Busca el equilibrio entre la fuerza física (cuerpos de gran tamaño) y la espiritual (fuerte contenido espiritual en sus obras).
Obras.
En Florencia: Tondo de la Sagrada familia (Palacio de los Ufizzi).
En Roma, El Vaticano. Son fundamentalmente frescos para la capilla Sixtina.
a) Bóveda. Desarrolla en ella un enorme programa con abundantes escenas tomadas del Génesis.
Todo ello lo ubica entre arquitectura fingida.
Estas pinturas son un canto a:
- El cuerpo desnudo (Creación de Adán).
- El optimismo (son obras de juventud).
b) Testero (cabecera o frente de la capilla).
Realiza la obra sobre un tema único: El juicio final.
Toda ella está llena de dramatismo y desnudo. Es la máxima expresión de la "terribilitá" de Miguel Ángel.
Es una obra del final de su vida y denota amargura y pesimismo. Preludia el barroco, no hay arquitecturas fingidas.
a) Coordenadas históricas.
Se quiebra el optimismo humanista de Renacimiento, tal y como lo hemos estudiado hasta ahora.
Europa se agita entre problemas e interrogantes de todo tipo:
- En el aspecto religioso se produce la reforma luterana.
- Agitaciones políticas y perplejidad (había nacido a raíz del "Saco de Roma".
- En el aspecto económico-social tienen lugar los continuos descubrimientos que plantearán nuevas posibilidades y abrirán nuevas expectativas tanto humanas como económicas.
Desde el punto de vista cultural la elite social reacciona contra esa tendencia hacia la simplificación propia del Renacimiento (en aras de la claridad), y se hace conceptual, hermética, difícil de entender.
Por estos motivos el arte del manierismo es:
- Elegante y culto (a veces en exceso).
- Siempre intelectual (difícil de entender por parte del pueblo).
- Poco apto para el pueblo (no lo entiende), la religión (la contrarreforma, que es coetánea, pretende ante todo la claridad en el mensaje para evitar desviaciones heréticas, por lo que tendrá que crear "su" propio estilo al margen del manierismo).
B) Significado y características.
Es un fenómeno complejo. Aunque en algunas ocasiones pueda renegar del Renacimiento, lo cierto es que está ligado a él: es un arte propio de intelectuales, de humanistas.
Sin embargo, tiene personalidad propia. No es una mera transición entre el renacimiento y el Barroco. Tradicionalmente ha sido considerado una mera imitación de los grandes artistas coetáneos o anteriores. Se imitaba la forma, pero al vaciarlo de espíritu se produce un arte frío.
Aunque en cierto modo hay algo de verdad en esto, realmente no sucede en su totalidad ni el todos los casos.
En un estilo antivitalista. Existe un despliegue de contenidos colosales que no corresponden a la fuerza interna que los anima. No existe la perspectiva. Las obras tienen el fondo plano, sin profundidad. En cierto modo esto es renegar del Renacimiento, que tenía como uno de sus objetivos clave, el dominio de la profundidad (perspectiva).
Usa de forma generalizada el arabesco, es decir su obras tendrán un ritmo curvo y ondulante (lina serpentinata).
Miguel Ángel ya había utilizado como recurso técnico para expresar sus tensiones internas, aunque en el manierismo se trata sólo de un uso formal.
El manierismo está claramente influido por Miguel Ángel, del cual se valora, sobre todo la "terribilitá" y el colosalismo, acentuándolo al máximo y con ciertos matices:
- Formas dislocadas (escorzos violentísimos).
- Angustia espacial. Las estatuas quedan como ahogadas entre hornacinas. Las obras sufren un equilibrio inestable (a veces están apoyadas en un solo pie).
Otras de las características genuinas del manierismo son:
- La utilización del género monstruoso (unión de elementos diversos en una misma figura, con evidente afán humorístico. El pintor Archimboldo puede ser un claro ejemplo.
- La "anamorfosis" o utilización de la llamada perspectiva curiosa. Consiste en representar los objetos deformados, pero cuya correcta visión puede conseguirse utilizando lentes especiales o desde un ángulo determinado.
- El color se utiliza como valor decorativo, no plástico.
Principales ejemplos.
En Florencia, donde quizás se encuentren los más representativos maestros hallamos a Pantormo (José en Egipto), Rosso y Becafumi.
En Roma Vassari, que, además, fue un tratadista y Volterra.
En Parma Corregio y Parmigianino.
Parece que está un tanto al margen de los problemas económicos y políticos que afectan al resto de Italia.
Esto explica en gran medida la brillantez de su arte durante el siglo XVI.
Es un estilo que ofrece grandes contrastes temáticos:
- Bacanales y desnudos.
- Temas religiosos.
Se prefiere el modelo vivo, así se gana en espontaneidad y vivacidad.
Se concede poca importancia a la línea, es decir, al dibujo. Es característica la pincelada ancha.
Se utiliza un fuerte colorido (los colores vibran, y lo hacen de tal manera que difuminan el tono).
Principales maestros.
Giorgone. Es a Venecia, lo que Leonardo a Florencia.
Utiliza el color como instrumento para la creación del claroscuro. No es un claroscuro como relación negro-blanco, sino que está conseguido mediante una gradación tonal.
En otras palabras, en Giorgone el tono no es sólo pictórico, ni el claroscuro está ligado exclusivamente a la "plástica". Giorgone aúna color y luz.
Valora el desnudo femenino, aunque es austero (concierto campestre, Venus dormida, donde inicia el tipo Venus en reposo utilizado por Tiziano, Velázquez).
En los cuadros paisajísticos, la figura humana suele ser sólo un complemento (La tempestad).
La perspectiva lineal es sustituida por la perspectiva aérea.
Tiziano.
Es un triunfador y un artista plenamente veneciano. En su etapa juvenil sus obras recuerdan a las del anterior, ya que se había formado junto a Girgione en el taller de los Bollini.
En su obra de madurez suele utilizar tonos cálidos y se observa una evolución en cuanto a la síntesis del cuadro: Color y forma al principio y luz y color (eliminando incluso el dibujo) al final. Preludia, pues, al impresionismo.
Se observa una gran variedad de tipos y temas:
- Profanos: desnudos, retratos.
- Religiosos.
Usa frecuentemente la llamada perspectiva veneciana: punto de vista bajo. También es llamada "de la rana".
Obras.
Entierro de Cristo, Adoración de Venus, Dánae.
Hace un tipo de retratos, casi todos de corte, pero íntegros y totales (físicos y psíquicos, ambientales).
Retratos de Carlos V.
Es denominado el cantor de Venecia. Aún cuando pinta temas religiosos, los marcos arquitectónicos son una exaltación de la urbanística veneciana.
Cultivó el color, con dominio de las armonías de la gama fría y clara:
- Gris plata (no fuertes) y también, aunque en menos medida, azules y amarillos. Prescinde, pues, de los colores cálidos de Tiziano.
Tiene un gran sentido decorativo, incluye en sus cuadros escenografías arquitectónicas...
Trabaja con temas religiosos.
Frescos del Palacio Ducal. Pinta en los techos El triunfo y la glorificación de Venecia.
Se observa claramente su barroquismo escenográfico:
- Utilización de columnas salomónicas
- Punto de vista bajo.
- Arquitecturas convergentes y dinámicas.
Lienzos. Bodas de Caná, Cena en la casa de Leví.
